2. Im Wandel der Zeit
| Les années 1920 à 1940 | Le premier objectif de l’amplification des guitares était bien entendu de les rendre audibles dans un environnement plus bruyant. De simples micros ont été intégrés aux guitares acoustiques afin qu'elles puissent toujours être entendues dans un big band. Le son ne devait pas réellement être modifié, ce qui n'était pas possible avec des micros magnétiques. |
Les années 1950 | Lorsque des gens comme Leo Fender ou Lester Pollfus (nous le connaissons tous sous le nom de Les Paul) ont eu l'idée que la caisse de résonance était devenue superflue et ont simplement monté le manche, les micros et les cordes sur une planche, ce fut la naissance de la guitare électrique. Initialement considérée avec scepticisme, la Fender Broadcaster a été rebaptisée Telecaster et est rapidement devenue un best-seller. Viennent ensuite le propre modèle Stratocaster de l'entreprise, ainsi que leurs propres créations de Bigsby (encore connues aujourd'hui grâce au système de vibrato) et Gibson, bien sûr, avec les Les Pauls. Il fallait toujours un son aussi fort que possible, mais néanmoins clair. Ironiquement, c'est exactement la raison pour laquelle Gibson a temporairement arrêté la production des Les Pauls en 1960. Les guitares ne sonnaient tout simplement pas assez clairement avec leurs micros double bobinage PAF à faible bruit et les amplificateurs saturaient trop rapidement. Sons de guitare typiques des années 1950 : |
Début des années 1960 | Lorsque les Beatles sont entrés en scène au début des années 1960, ils disposaient d'amplificateurs Vox qui produisaient un son clair merveilleux - selon les normes actuelles - notamment en harmonie avec leurs guitares semi-acoustiques Rickenbacker, Gretsch et Epiphone. Ce qui est intéressant, c'est que les Beatles ont découvert très tard les très "grandes" sociétés Fender et Gibson. |
1965 | Comme il n'existait pas à l'époque de systèmes de sonorisation au sens moderne du terme (uniquement des systèmes pour le chant), les amplificateurs devaient être "poussés" de plus en plus fort à mesure que le public grandissait et était enthousiaste : (au début) il en résultait des saturations indésirables combinées à un larsen. Très vite, des musiciens ont eu l'idée de l'utiliser musicalement. Dave Davies des Kinks a détruit le haut-parleur de son petit ampli vert pour créer le son brisé de You Really Got Me. Ritchie Blackmore aurait fait un trou dans la membrane de son haut-parleur avec le talon de sa botte... Les amplificateurs étaient "poussés" au maximum de leur capacité, provoquant une saturation impitoyable des amplificateurs de puissance. Les techniciens ont également développé ce qu'ils devaient auparavant éviter à tout prix : la saturation. Premiers exemples célèbres : le riff Satisfaction de Keith Richards et la basse fuzz de Paul McCartney sur Think For Yourself (album : Rubber Soul). Dans les deux cas il s'agit probablement d'une fuzz Maestro. Les sons fuzz des années 1960 semblent plutôt sciés et artificiels à long terme, mais le saut quantique en matière de sons lead nous a été offert par l'un des meilleurs dans son domaine : Eric Clapton. Après avoir joué solidement mais plutôt discrètement dans le style Berry avec les Yardbirds, il a développé l'archétype du son Rock par excellence lors de l'enregistrement du mythique album Bluesbreaker : avec une (complètement démodée) Gibson Les Paul Sunburst (58 ou 59 avec micros double bobinage PAF) et un combo Marshall de 50 watts. Le contrôle de volume général (Master) n'existait pas encore, alors Clapton a simplement augmenté toutes les commandes du "geste typique de la main". L'ingénieur du son aurait été victime d'une crise de panique et le microphone aurait dû être placé à une distance appropriée. Le résultat est l’un des sons les plus gras, les plus "brumeux" et le plus beau de tous les temps. Il faut vraiment l'avoir écouté ! |
1966/67 | Jeff Beck et Jimmy Page, tous deux successeurs de Clapton au sein des Yardbirds, ont utilisé une distortion Soul-Bender pour faire sonner leur Vox AC 30 plus puissamment. Jimi Hendrix, la Maestro Fuzz Face et une wah-wah Vox. Il n’y avait pas beaucoup plus d’effets à l’époque. L'écho à bande doit également être mentionné, comme par exemple, L’Echoplex ou le Wem Copicat. Hendrix possédait encore quelques petites choses sophistiquées comme l'Univibe (une sorte de Leslie artificielle) et l'Octaver. Important : la distorsion en amont ne sert généralement qu'à chatouiller encore plus l'amplificateur déjà saturé, ce qui donne un son complètement différent de celui si vous entrez dans un amplificateur propre avec la distorsion augmentée (nous en parlerons plus tard). Le son Rock tel que nous le connaissons et l’aimons était en fait terminé. "Mais c’était la fin des années 1960", demandent certains, non sans raison. Depuis, des tonnes et des mégatonnes de nouveaux équipements ont été introduits. Bien sûr, dans la plupart des cas, il s’agit d’une tentative de reproduire les beaux sons anciens de l’époque et de les rafraîchir un peu. Il ne s’est pas passé grand-chose de nouveau, si nous sommes honnêtes. |
Les années 1970 | Le contrôle de volume général (Master) a été développé dans les années 1970. Afin que pouvoir produire de beaux sons à lampes même à des volumes qui ne sont pas nocifs pour la santé, la saturation se fait désormais avec le préamplificateur, et un autre contrôle de volume régule ensuite le volume global. Le type de saturation est légèrement différent (de nombreux guitaristes modernes le préfèrent en fait) - mais ces amplificateurs sonnent également mieux lorsqu'on "chatouille" au moins l'amplificateur de puissance, donc ici aussi, le volume de la pièce implique un compromis. En termes d'effets, le phaser se présentait sous la forme d'une petite pédale, puis plus tard le flanger et le chorus. Le mouvement Punk n’a en réalité apporté que peu de nouveautés (à part un style de jeu brut). |
1978 | La véritable innovation est venue davantage du côté du jeu, notamment grâce à jeune guitar hero - Eddie Van Halen qui a donné un nouvel élan aux vieux licks de Blues, que ce soit par ses lignes legato ultra-rapides, par l'utilisation de gammes chromatiques, du tapping à deux mains et bien sûr l'utilisation massive du levier de vibrato. Sa philosophie sonore est également devenue déterminante pendant de nombreuses années (plus d'informations à ce sujet ailleurs). Des corps Strat avec un micro double bobinage en position chevalet et un potentiomètre de volume, plus un système de vibrato avec accordage stable Floyd Rose ou Kahler, le tout amplifié par un Marshall puissant ou quelque chose de similaire. |
Les années 1980 | Dans les années 1980, des fétichistes du son comme Steve Lukather ont développé d'immenses systèmes de rack (maintenant souvent appelés avec dédain "réfrigérateurs") dans lesquels divers préamplificateurs et amplificateurs étaient reliés à un arsenal d'effets de studio de haute qualité - le résultat ne sonnait pas toujours aussi cher que les frais d'achat. En raison des nombreuses stations traversées par le signal, quelque chose d'essentiel est souvent laissé de côté : le "ton" qui enthousiasme tant les gens aujourd'hui. Les sons étaient souvent tellement surchargés de chorus, d'harmoniseur, de delay et de réverbération qu'il ne pouvait plus être question de naturel. |
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Les années 1990 |
Dans les années 1990, tout a changé : Grunge était le mot magique, et la réflexion "retour aux sources" a effectivement permis de produire de la belle musique et de bons sons, selon la devise : prends une guitare, branche-la et joue. Souvent, la catégorie Grunge n'était utilisée que pour vendre un manque de qualité musicale joué par des guitaristes sauvage vêtus d'un petit manteau à la mode. Quoi qu’il en soit, ce qui subsiste, c’est la tendance à utiliser à nouveau des sons plus "naturels". On voit moins de "réfrigérateurs" sur scène, mais curieusement, les vieilles pédales, démodées des années 1980, ont connu une véritable renaissance. De nombreux appareils jetés négligemment dans un coin sont désormais cultes. De nombreux guitaristes se soucient également moins du contrôle du gain (à l'exception des groupes de Heavy Metal) - dans de nombreux cas, ce qu'il faut, c'est un son crunch harmonieusement équilibré, qui il y a 10 ans aurait tout simplement passé pour un son rythmique. Le bras de vibrato, si incontournable dans les années 1980, ne joue plus un rôle majeur. De nombreux experts en la matière y renoncent même complètement (comme Paul Gilbert par exemple). |
